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半透明のポリカーボネートの壁でできた広島にあるこの住宅は日本の建築事務所サポーズデザインオフィスによるものです。全方向から内部に自然光があふれるようにできています。

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写真撮影：太田拓実

藤垂園の住宅と名づけた３階建ての住宅は、サポーズデザインオフィスにより、５人家族の住居としてデザインしました。また家族のリクエストは、コレクションしているバイクの保管と修復のスペースを作ってほしいということでした。

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この場所が長く狭い形であるため、この住宅の形が決まりました。３方向は隣の建物に囲まれているため、建築士は透明な被覆材｛ひふくざい｝を加えて住民のプライバシーを侵すことなく、内部に光が広がるようにしました。

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「大抵の外壁は厚く、重みがあります」と建築士は述べています。「藤垂園の住宅では、薄く半透明な材質を使い、通常の外壁の代わりとしました。これで自然光が屋内スペースに最大限入れることができます」

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写真撮影：太田拓実

窓は壁と同じ材質でできているため、窓は外からの光を増やすことはありません。しかし開けることができるので、住んでいる人は住宅の中に新鮮な空気を入れることができます。

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夜、光を建物の中から発し、街並み沿いの建物が大きな光の箱に変わります。

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「この家に住んでいる人は暖かく、明るい場所の家の中で周囲にある自然の変遷を心ゆくまで楽しむことができます」と建築士は付け加えました。

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鉄構造はI-beamsにより作られ、建物の中から見ることができ、白く塗っています。コンクリートの天井は打ちっぱなしのままで、床はコンクリートと木材の混合物で覆っています。

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バイクを置いてあるスペースは１階すべてを使い、大きなスライドドアで入りやすくしていることを特徴としています。

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スペースの中央にメンテナンス用の小さなスペースがあり、バイクを階段の後ろに置けるようにしています。階段を上ると、居住スペースにつながります。

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写真撮影：太田拓実

キッチン、ダイニングルーム、居間が２階に集まり、その後ろに浴室があります。

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最上階では、スペースの真ん中に子供部屋が取り囲むように設置し、両側２つの大きな寝室があり、仕切りとなっています。

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写真撮影：矢野紀行（特に明記した場合を除く）

サポーズデザインオフィスからの詳細は以下の通りです。

藤垂園の住宅

藤垂園の住宅は静かな住宅地にあります。夫婦と子供三人家族のためにデザインしました。この住宅は３つの側面が隣家に囲まれています。建物は長く狭い形にならざるを得ませんでした。

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大抵の外壁は厚く、重みがあり、重苦しい外観とバランスを取るために窓を加えています。藤垂園の住宅のために、薄く半透明な材質を通常の外壁の代わりに使いました。自然光を屋内に最大限に受け入れることができます。

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写真撮影：太田拓実

藤垂園の住宅に住んでいる人は、温かく明るい屋内で周囲の自然の変遷を心行くまで楽しむことができます。

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Ground floor plan - click for larger image

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First floor plan - click for larger image

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Second floor plan - click for larger image

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Long section - click for larger image

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日本のデザイナー集団nendoは、伝統的な日本の紙漉きの技術を用いて、一方はなだらかで、もう一方は緩やかにしわ加工された照明器具のシリーズを制作した。

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nendoは、このコレクションをSemi-Wrinkle Washiと名付けた。「Washi」とは植物の繊維から作られた日本の紙の名前である。「和紙は、きめの細かいスクリーンを植物のパルプと水の入った槽にくぐらせてパルプを集め、スクリーンを乾かした後、そこから新しい紙のシートを剥がしとることで作られます」と、デザイナーは語った。

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照明の制作にあたって彼らは、西日本の鳥取県にある、和紙の製法を用いた立体の造形で有名な、 谷口青谷和紙とコラボレートした。「形を作るのに、和紙のシートを貼り合わせるのではなく、彼らは和紙の製法を使って、継ぎ目の無い美しい立体的なフォルムを、はじめから造り上げてしまうのです」とnendoは述べた。

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nendoによれば、この製法で作られたランプシェードは非常に滑らかで、「白いガラスやプラスチックと見間違えてしまう」という。

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彼らは、こんにゃくという野菜を紙に混ぜ合わせることでしわ加工を施し、この製品が紙でできていることを強調しようとした。しかしこの技法では、その外観からはもはや谷口青谷和紙の伝統的な技法で作られた、ということが伝わらなくなってしまう。

「この問題に直面して、私達はお互いの世界のベストな部分を取り入れようと決めました。そして、半分だけに緩やかなしわ加工を施した照明具を制作したのです。」と、彼らは説明した。「しわ加工は徐々に適用していくことが可能で、それにより、2つの異なった効果がシームレスに混ざり合いました」

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その結果、滑らかな底面部から緩やかに鋭角をもち、しわ加工された上面部に繋がって行くシェードの外観が完成した。このシェードは、ペンダントライトやテーブルランプになり、また屋外の誘導灯にも利用できる。

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しわ加工によってシェード全体のサイズが縮むので、nendoは最終的に必要なサイズを決め、そこからはじめに必要とされる形とサイズを逆算した。

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「このハイブリッドな工程が、紙に新しい表情をもたらしました。それは柔らかさと緊張感が同居した、立体漉き和紙だけが表現できるものです。」と、デザイナーは付け加えた。

この製品は、日本の西武デパートのみで限定販売される予定だ。

写真：岩崎寛

Benjamin Vermeulenが手掛けた組み立て式家具シリーズには、小さな袋に入ったネジや留め具、六角棒スパナなどの付属品は無く、超強力磁石で簡単に接着することができます。

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彼の手掛けるMAG（Magnetic Assisted Geometry = 磁気補助形状）家具は鋼板と木材、そして磁石でできています。木材部分に磁石が付いているため、道具を使わずに各パーツをすぐに組み立てることができます。

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「家具は組み立て前の状態で配送する方が経済的で環境にも優しいのですが、組み立て式の家具は品質の良くない材料で作られていることが多く、組み立て作業も簡単とは言い難いものです」とVermeulenは言います。

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この家具はもともとの構造を保ったまま、何度も何度も組み立てや分解ができます。つまり引っ越しや収納、販売の際には分解することができるのです。

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取り付け・取り外しが容易なので、部品の交換も簡単です。

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椅子は2つの部品を組み合わせて出来ています。脚は座席の下で交差した状態で固定され、その上に鋼板の座面と背もたれが取り付けられています。

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折りたたみ式スチールテーブルの天板四隅に付いている金属のくいを、テーブル脚の上部に付いている磁気チューブにはめ込みます。

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ユーザーはニーズに合わせてキャビネットのパーツを選ぶことができます。基本のキャビネットは1段ですが、高さの違う段を組み合わせることもでき、扉のある／なしも選ぶことができます。

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Vermeulenはデザイン・アカデミー・アイントホーフェン（Design Academy Eindhoven）の卒業制作としてこの家具シリーズをデザインし、作品はダッチ・デザインウィーク期間中に展示されました。

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アーティスト兼デザイナーのセバスチャン・エラズリスは１２人のかつて情熱をささげた女性からインスピレーションを得て、このような３Ｄプリントの靴を作りました。

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写真イメージ：Cry Baby

メイン写真イメージ：Honey

「何年も興味を持っていたこととしては別の時に非常に大切だった女性との関係を再会できるプロジェクトを作ることでした。」とエラズリスはDezeenに述べました。「他の人たちと同じように、私が信じられないと思うことは、数年間のロマンチックな関係になると異なった人たちが、恐らく再会することがなかったとしても私たちの生活において主要な役割を表すということです」

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Cry Baby

１２人の恋人のための１２足の靴では、それぞれハイヒールの靴がデザインされており、エラズリスがかつて関係のあった女性のためにデザインしたものです。女性の中には数年間の関係があったり、また一夜のみの付き合いの女性もいます。

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Heart Breaker

「このアイディアは時を経て過去のセクシーでロマンチックな関係を試みて振り返ることでした」とエラズリスは述べました。「自分自身をじっくりと観察して判断し、他の人たち自身のロマンチックな関係に、その関係の美しさ、欠点、失敗、成功をもって振り返るようにします」

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Heart Breaker

それぞれの靴の形は、ニックネームや個人的な好み、セクシュアルな行動など、どのようにして相手を思い出しているかを表しています。

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The Boss

このシリーズの１番目はHoneyです。黄色いハチの巣模様で作られており、あまりにも素晴らしかった女性がモデルになっています。

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The Boss

このコレクションにある赤い靴のHeart Breakerは矢が後ろの部分を通っています。Hot Bitchは靴が溶けているように見え、The Jetsetterは飛行機の型がスチレット・ヒールを形作っています。

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G.I. Jane

緑色のG.I. Janeの靴は小さな兵士のフィギュアがつま先に乗っています。この靴はデートには下着を着けずにズボンを履き、父親は軍隊の大佐だった女性のために作りました。

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The Virgin

純粋な白いマリア像が踵の部分を作り、洋服が靴の前部分に流れていくようになっています。他のモデルではThe Ghost、The Rock、The Bossがあります。

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The Rock

総ての靴はデジタル上で形作ってからポリエチレン・テレフタレート（ＰＥＴ）プラスチックを使いMakerbot Replicator 2を使い３Ｄプリントをしました。

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Jet Setter

「３Ｄプリンターを使ったのは初めてです」とエラズリスはDezeenに述べました。「アイディアとしては、３Ｄプログラムにおけるデジタル作品を作ることでアート収集家が買うような１回限りの靴の作品だけではなく、プラスチックの型となる可能性を持っている作品を制作することでした」

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Gold Digger

このコレクションはブラジルの靴ブランドであるメリッサがマイアミにオープンしたポップアップストアで１月６日まで展示してあります。

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Gold Digger

靴は私たちが特集しているもう一つの代表的なシリーズです。誕生、生命、死、再生という身体的な変化の経験を表しています。

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韓国のデザイナーJinil Parkが針金を使った家具のシリーズを製作しました。一見するとまるでスケッチ画のようです。

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鋼鉄の針金で出来たParkの線画シリーズは2種類のイス、2種類のランプ、テーブルなどの4作品で構成され、見た目はラフスケッチのような印象です。

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「私の作品の鍵となるのは、線が曲がった瞬間なんです。そこにはデザイナーの感覚や状況、感情が表れています」とJinil Parkは語っています。

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Parkは家具のスケッチをすることから始めてその中から気に入った物を選び、構造物として適した形に則って三次元の物体へと作り替えました。

デザイナーは針金を叩いて太さを変えて線を曲げ、ペンで描いた線の太さの違いを再現しようとしました。そしてParkは針金を交差して接着し、頑丈な構造にしました。

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「私は直観的に、1本の針金では支えられない人間の体重を支えることのできる物を細い針金で製作していました」とParkは説明しています。

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この線画シリーズ（Drawing Series）は2013年の9月～11月に韓国の光州デザインビエンナーレで展示されました。

以下はデザイナーによる詳細です。

私のプロジェクトのコンセプトは線画です。ご覧の通りコンセプトは非常にシンプルで線画から生まれた家具です。このプロジェクトのひらめきは本当に偶然起こりました。私は気楽に線を描きながら新しいプロジェクトについて考えていました。そして紙に描いているという動作が楽しく好奇心旺盛であることに気付きました。この動作からとても面白い作品が生まれるのではと思ったのです。

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私の作品の鍵となるのは、線が曲がった瞬間なんです。そこにはデザイナーの感覚や状況、感情が表れています。デザインをする上で、線の役割は非常に基本的ですが、同時に重要なものでもあります。あらゆる作品の始まりと終わりの基本要素だからです。

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線画から始まった家具のスケッチからお気に入りの1点と物体になりそうな1点を選びました。物体を造り出すために、私は叩く強さを変えながら針金を叩き、太さの違うさまざまな針金を使いました。そうすることで針金が絵から抜け出てきたように見せることに成功したのです。この作品を製作する上で、この過程にほとんどの時間を費やしました。

この過程で製作された針金の塊を組み合わせて接着します。私は直観的に、1本の針金では支えられない人間の体重を支えることのできる物を細い針金で製作していました。これにより二次元の絵を三次元にすることが出来たのです。

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デザイナーのAaron Dunkertonは折りたたみ式洋服を乾かす物干しを開発しました。広げると星の形になり、湿った洋服を乾かすスペースを作っています。

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Aaron Dunkertonの物干し掛けは通常の物干しより１０個以上多い３６のアームがあり、使うときには先が１２個ある星の形になります。

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「この物干しの形である直立の形は、洋服の周りにある空気の循環を良くし、服が早く乾く助けになります。」とデザイナーは述べています。

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木材は海辺にあるベニヤ板の細い棒からできており、艶消しをしたアルミニウムのロッドでつないでいます。小さく開くとフックができ、固定できる構造になっており、使用しないときは折りたたむことができます。

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「折りたたむと、通常の物干しより小さくなります。しかし広げてみると通常より多くの物干し用のアームがあり、同時に面白い形になります。」とDunkertonはDezeenに述べました。

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Dunkertonは洋服用の物干し掛けをキングストン大学での製品・家具デザイン学位の一部としてデザインしました。他に手がけたプロジェクトには絶滅危惧種の鳥が新しい建物や庭の壁に巣を作ることのできる中空れんががあります。

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デザイナーからの詳細な情報は以下の通りです。

物干し賭け

私のデザインした物干し掛けの寸法は折りたたんだ時に長さ５６センチ、幅３２センチ、高さ２３センチになります。使用しないときに、収納に困る通常の物干しよりも収納しやすくなっています。使うときの寸法は奥行５６センチ、幅１１２センチ、高さ１１２センチになります。直立の形は、洋服の周りにある空気の循環を良くし、服が早く乾く助けになります。

デザインは物干しをたたんだ形に保つロックのアームからなっています。このアームで移動や収納するときに動きが取りやすくなっています。

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一方この物干しのデザインは使うときに大きな印象を残します。通常の物干しよりも興味を引く外観になっています。

３６個のアームがあり、通常の物干しよりも約１０本以上多くなっています。艶消しをしたアルミニウムのロッドとベニヤ板をつないでいます。木材はＣＮＣルーターを用いて切断しています。アルミニウムのロッドは先がねじ式になっており、ドーム上のナットと座金で留めています。

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米国のバイオテクノロジー企業 Bioglow は人工生物学を応用し観葉植物を開発しました。開発者は「まさに今までに類を見ない物」だと言います。

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ミズーリ州セントルイスのドナルド・ダンフォース植物科学センター（Donald Danforth Plant Science Center）を拠点とする Biglow 社は、スターライトアバター（Starlight Avatar）は化学物質や紫外線の照明といった外部からの処理や刺激を受けずに自発的に発光する初めての植物だと主張しています。

「市場には類似したものはなく、まさに今までに類を見ない物なのです」とこの植物の開発者で Biglow の設立者でもある Alexander Krichevsky 氏はDezeenに語っています。

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Krichevsky氏は微生物学の専門家で、一般的な室内用の鉢植え植物の葉緑体ゲノムに海に住む発光性のバクテリアのDNAを取り込んで植物を開発しました。茎や葉はホタルやその他の生物発光有機体が生み出すようなかすかな光を常に放っています。

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スターライトアバタープラントは観葉植物のシュッコンタバコ（Nicotiana Alata）属に由来。

現在は暗室でなければその光を見ることが出来ませんが、Krichevsky氏は植物の明るさを増幅させるよう開発を続けています。彼の技術は観葉植物市場に新たな支持層を広げる可能性があり、実際に照明のデザインに革命を起こしているとKrichevsky氏はDezeenに語っています。

「映画アバターのファンは植物を育てることに特に興味を持つだろうと私たちは考えています」とKrichevsky氏は2009年のSF映画に言及しています。この映画の舞台の異星人の惑星では夜、動植物が光り輝いています。

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また、Krichevsky氏はこの植物をインテリアや建築、交通インフラに効率的な光源として活用することも出来るとも語っています。「長い目で見れば、現代的な照明デザイン、つまり造園や建築だけでなく、交通分野でも光る植物が使われるようになるでしょう。電気を必要としない自然の光が車道や高速道路の印になるのです」と彼は指摘します。「また、効果的な環境と農業センサーを作って、環境的な合図に反応して光るようにする能力もあります」

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購入希望者は1月下旬に開催予定のオンラインオークションを通じて限定数のスターライトアバタープラントの1つを手に入れるため入札することがでます。この植物は、プラスチック製の栄養豊富なゲルの入った栽培箱で発送され、成長した時には植木鉢に植え替えることができます。それぞれ寿命は2〜3ヶ月ほどです。

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ソチ冬季五輪に訪れる170,000人以上の人はロンドンのデザイナーアシフ・カーンによるインスタレーションの一部として顔をスキャンし、建物の外面に再現してもらうことができます。

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メガフェイスと名づけ、「デジタル時代のラシュモア山」とも呼ばれています。アシフ・カーンの外観は大きなピンスクリーンのような機能を持つようデザインしており、細いチューブが行き来し、平らな外観を相互作用的な３次元の外面に変わり、どのような顔の形にも変化できるようにしています。

外観のディスプレイはそれぞれ２０秒ごとに８メートルの顔がディスプレイされ、競技に訪れる人は３Ｄ写真ブースに訪れて顔をデジタルスキャンすれば、誰でも参加することができます。参加者それぞれの顔を異なる角度で取るために５枚の写真を撮り、一つの３Ｄイメージに組み立てていきます。

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スキャンした後、３Ｄイメージがエンジンと10,000以上の細いシリンダーがついているアクチュエータ（作動装置）と呼ばれる長さ２メートルまで延長できるケーブルを通り、顔の形を再現します。

それぞれのアクチュエータはＲＧＢという三原色のＬＥＤライトが先端についており、それぞれの画素位置を正確に計上します。

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繊維の薄幕が伸縮し、スムーズな表面を与え、形を変えます。表面の下にアクチュエータは３方向に配置しているグリッドが配置しており、画素の間にある接合部を隠します。

「生体物の３次元モデル部分は３次元の構造が最も適しています。なぜなら３次元の形が自然に見え、少量の画素でも流れるように見えるからです。」とこのプロジェクトのチーフエンジニアであるValentin Spiessは述べました。

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プロセスの図表―クリックしてイメージを拡大

このシステムでは写真をそれぞれ５枚撮ってから３次元のモデルを計算するために約１分かかります。

「私たちのケースの場合の難しさは、このプロジェクトでスピード、使いやすさ、イメージの質総てにおいて要望を満たすシステムを開発することでした。」とSpiessは述べています。

「３Ｄのレーザースキャンをするために１分間ずっと動かずに座っている必要はありません。プロセスは商業用の写真ブースのように早く、シンプルである必要がありました。」と説明しています。

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断面図―クリックしてイメージ拡大

イメージはデジタルスケジューラに並び、使った人はいつ自分の顔が壁に現れるのかという情報が分かります。参加者それぞれに２０秒間のビデオの電子メールが送られ、その時を思い出すことができます。

メガフェイスはロシア・ソチで行われる冬季オリンピック、パラリンピックの開催中、ロシアの通信会社であるメガフォン社が持っている仮設パビリオンの外面に設置されます。

動画では外面をテストしている一部分を見ることができます：

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日本のファッションブランド「コム・デ・ギャルソン」は、ロンドンのストア、ドーバー・ストリート・マーケットの支店をニューヨークにオープンさせた。

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ちょうどクリスマス前に、マンハッタンのレキシントン通りに新しいドーバー・ストリート・マーケットストアがオープンした。バラエティ豊かなインスタレーションの中に、既存のものや、新たなファッションデザイナーによる衣類、アクセサリーを展示している。

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「コム・デ・ギャルソン」の創設者である川久保玲氏は、「私は、性質の異なる魂が共存し、混ざり合い、強い個人のビジョンを全体が共有することで生まれる、美しいカオスの中で、様々なフィールドの様々なクリエイター達が集まり、互いに出会う場としてのマーケットのようなものを作りたいのです。」と店のコンセプトについて語った。

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選ばれたアーティストやデザイナー達の作品は、インテリアの立体の素材やグラフィックとして、7つの階にわたって異なった空間を生み出した。

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地上階では川久保氏が、コム・デ・ギャルソン独自のデザインを展示しているレールを支えるポールの足場の上の天井に、棒状の木材を無作為に配置したアレンジを施した。

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白い角材が集まって固定されて角度のある棚を形成し、ドーバー・ストリート・マーケットの商品が陳列されている。

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上の階に、日本のデザイナー渡辺淳弥氏のセクションを設ける為に、さらに足場が組まれ、そこにはMOSCOTのサングラスを扱うキオスクも配置された。

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内側を紫でペイントされた球形のトンネルが、4Fと3Fを繋ぐ階段を覆っている。

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木製の枠組みと格子が5Fの至る場所に広がり、一部は歩いて通れるほどの広さもある。

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最上部の2フロアは、パッチワークの壁掛けとイルミネートされたレタリング、半透明のディスプレイユニットと金属の支柱で装飾されている。

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アメリカのデザイナー、トム・ブラウンのアパレル商品が、オフィスのように作られたガラス張りのモデルルームに展示されている。

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ニューヨークやロンドンと同じく、ドーバー・ストリート・マーケットは東京の銀座にも進出し、2006年にオープンしている。

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東京にある幾何学的模様の天窓枠があるで中から空の景色が眺めることができる角度のある白い住宅は日本の建設設計事務所、アトリエ・天工人が製作しました。

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モノクリニックという名前のこの建物はアトリエ・天工人が依頼した人の要望に合わせて小さな３階建ての賃貸併用住宅をデザインしました。

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通りから見ると、この住宅は垂直の端がないように見えます。天窓は四角の形が１つ、三角が３つの窓でできており斜めの表面として設置し、壁とも天井とも言えるようになっています。

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「多面体を少し含む住宅をデザインしたのは、都市の住宅地における狭く混雑した宅地では効果的な解決策であるためです。」と建築士は述べ、どのようにして角度のある表面で壁から雨水を排水するのかについて説明しました。

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主要な居住地は建物の前に位置しています。リビングは２階にあり、高さ５メートルの天井の恩恵を受け、リビングと上にある中二階の寝室に空の景色と日光が注ぐようになっています。

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「主要となるコンセプトは「空をデザインする」ということです。何故なら建物に囲まれた都市が背景となる住宅をデザインするとき、空が直接建築物に触れる最も重要な自然の要素であるからです。」と建築士は付け加えました。「この多角形の形をした一番上の面は、多くの光を取り込み、居住空間と空とをつなげてくれます。」

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らせん状の階段で片持ち梁｛かたもちばり｝の金属でできた踏み板でガレージや作業場として使える他の部屋につながる一方、２つのワンルームアパートは後ろに隠れるようになっています。

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玄関は、外回りとは異なった場所に位置し、狭い全面の壁に埋め込んでいます。

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外壁は総て白い下塗りで覆っており、建物屋内はすべて打ち放しコンクリートとなっています。

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写真撮影： 傍島 利浩

アトリエ・天工人からの詳細は以下の通りです：

モノクリニック

この住宅はガレージと２戸のワンルーム賃貸アパートで構成しています。依頼者の希望は、私たちが２００６年に竣工した「チカニウマルコウブツ」のようにデザインした建築でした。そのため「コウブツ」の基本的コンセプトを考慮に入れました。前のデザインを更に進化させるため、以下の問題に焦点をあてました。

１． 外壁が汚れないために形態的に配慮すること。
２． 多面体の形状を活かし、空を取り込むような大きなトップライトの実現
３． コストを最小限に抑えるための材料の選択

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リビングルームはユニークで印象的な空間です。床面積が１５．８平方メートルと狭いですが天井の一番高い場所は５．５メートルで、１８．２平方メートルの大きな四角形の天窓が空につながっています。四角のパネルが真ん中に小さな四角形の窓をつくり、四角形の形をつくっています。光と影の印象的な対比で新たな視覚ができております。

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私は１０年間、東京の狭い区画における多角形の建築物が持つ可能性について探求し続けていました。更に、私の長年における挑戦は目が覚めるような空間で五感を開放することでした。このプロジェクトは成功した件の１つです。

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平面図―クリックしてイメージ拡大

竣工：２０１３年９月
所在地：東京都世田谷区
建築用途：賃貸併用住宅
敷地面積：８５．９２平方メートル
建築面積：４２．６１平方メートル
延床面積：９０．８２平方メートル
構造：ＲＣ造
意匠設計：山下保博+石井あずさ/アトリエ・天工人
構造設計：佐藤淳+福島佳浩/佐藤淳構造設計事務所
施工管理：内田嘉哉+柴崎勝/内田産業

ファッションデザイナーのYing Gaoは、人の視線を感じるとうねり光を放つドレスを製作しました。

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「視線追尾システムを使って、観客がじっと見つめているとドレスが動き出すようにしました」とYing GaoはDezeenに語っています。「（このシステムは）照明を消すこともできるんですよ。そうするとドレスが輝きます」

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視線に反応するこのドレスには視線追尾システム技術が組み込まれています。それが観客の視線に反応して小型モーターが起動し、ドレスの一部が魅惑的な模様のように動き出します。

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一方のドレスは、フォトルミネッセンスの糸で来た巻き毛に覆われていて、糸はフリルの生地にぶら下がるように付いています。もう一方のドレスは、下地が暗闇で光を放つ糸で出来ていて、その上に束ねたリボンのような生地がふんわりと付いています。

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照明を消すと、光る海の生物のような効果を作りだします。

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このプロジェクトは(No)where (Now)here: Two Gaze-activated Dresses（＝（直訳）どこでもない今ここで：視線に反応する2つのドレス）と呼ばれ、11月に上海現代美術館で展示され、その後2014年春にはカナダの織物博物館で展示される予定です。

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Ying Gaoは、息をしているかのように動くドレスだけでなく、光に反応してカールしたり広がったりするドレスもデザインしています。

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Dezeenでは以前に、瞬きしたり目を細めたりすることで制御が出来る視線追尾カメラや、夜間光るように発光ペンキを使って道路に印をつける計画について紹介しています。

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ファッションデザインについての他の記事はこちら>>

以下はYing Gao氏による詳細です：

(NO)WHERE (NOW)HERE: 2 つのインタラクティブ・ドレス

このプロジェクトはポール・ヴィリリオのエッセイ"Esthétique de la disparition（消失の美学）"（1979年）にインスピレーションを得たものです。

「朝食時にはぼんやりすることはよくあることです。ディーカップを落として中身をテーブルにこぼしてしまう、などというのはその良い例です。ぼんやりしているのはほん一瞬だけで、突然始まり突然終わります。外界への反応は閉ざしていますが、感覚は目覚めている状態です。意識は急に遠のき、同じようにすぐ現実に戻って来ます。そして途切れた言葉や行動は、意識のある時間が自動的に再構築しているかのように、中断された場所に戻って来ます。このようにして、明らかな中断は起こらずに継続していくのです」

このシリーズは2つのドレスで構成され、フォトルミネッセントの糸と視線追尾技術を組み込んで出来ており、観客の視線で起動します。目をつぶった写真は「台無し」と言われますが、ここでは不安定な視線を使ったキアロスクーロ（明暗法）（明瞭／不明瞭）の実験を行って、存在と消滅というコンセプトに疑問を投げかけています。

スーパーオーガンザ、フォトルミネッセント糸、PVDF（ポリフッ化ビニリデン）、電子機器使用

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ケルン2014：アイントホーフェンのデザイナー、ハヤシツヨシ氏は廃棄された瓦をカーブした座面として活用し、スツールやベンチのシリーズを制作しました。

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ハヤシ氏は高浜の工場から伝統的な瓦を集めました。高浜は地元の粘土を使った瓦作りの長い伝統を持つ町です。

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日本全国で生産される瓦全体の5％が製造中になんらかの損傷を受けてしまい、その結果毎年6万5千枚もの瓦が埋め立てに利用されています。

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ハヤシ氏は欠けたり割れたりして壊れてしまった瓦のパーツを切り出し、標準化した木のフレームに取り付けます。そのため組み立て用の釘や接着剤は必要ありません。

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「滑らかな曲線を描く（瓦の）形は、人に座りたいという気持ちにさせ、人間工学的に姿勢をまっすぐに保つことができます」とハヤシ氏はDezeenに語っています。

また「製造工程によって瓦は非常に耐久性に優れどんな天候にも対応できるため屋外での使用に適しています」とも語っています。

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「日本の屋根瓦は摂氏1200度以上で焼成されるので、だいたい約800度前後で焼成されるヨーロッパのタイルよりも固いのです。椅子一脚で体重120キロの人まで支えることができます」とハヤシ氏は語ります。

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捨てられた瓦の多様な質感や色などの特色に魅せられ、ハヤシ氏はこの瓦の新しい機能を探すことにしました。

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「燻された屋根瓦には表面に年月を重ねた風合いが出て、施釉業者が顧客に瓦を見せると捨てられて、また新たな色が作られます」とデザイナーは語ります。

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木製のフレームは、1つの椅子として使うこともできる他、組み合わせて脚の高さの違う長いベンチにすることもできます。

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ハヤシ氏は昨年デザイン・アカデミー・アイントホーフェンを卒業し、12月にこの街に自分の事務所を開いたばかり。欧州や日本の工場から出た様々な廃棄物を活用する可能性を探求するプロジェクトを手掛けています。

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「僕の一番の夢は世界各国の工場と協力して、自分のデザイン理念を応用して独自の価値観や廃棄物の産地を提案して行くことなんです」とハヤシ氏は語っています。

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カワラプロジェクトはケルン国際家具見本市(imm cologne)の[D3]デザインタレントエキシビションの1点として展示されました。

今年の[D3]コンテストは、伝統的なシェーカースタイルのペグボードを基にした壁掛けレールが優勝しました。ケルン国際家具見本市はケルンメッセ・エキシビションセンターで1月19日まで開催されていました。

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日本の建築家、隈研吾は、カフェやワークスペースのある大阪のオンラインレストランガイドの内装を、レイヤー状の木製ボードを用いた縞模様で仕上げた。

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隈研吾は、ぐるなびのための２ヵ所のスペースのインテリアをデザインした。一方は展示スペースや日本のレストランガイドのインフォメーションセンターとして、もう一方はカフェとして利用される。

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双方のスペースは同じデザインコンセプトのもとで設計され、家具としての機能を備えた景観を生み出すため、合板のレイヤーを用いた外観を造り上げた。

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「内装を地形のように仕上げるために、木のパネルを積み重ねました」と隈氏は語る。「旬の様々な種類の食べ物が、木製の地面の上に並べられます」

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「Shun*Shokuラウンジ」のカフェでは、木製ボードが１つのコーナーに床から天井まで積み重ねられ、中央にはカウンターを設け、側には座席が加えられている。

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同様にワークスペースでは、ボードの地層が部屋の角を包み、棚や机、そして座席を形成するために、様々な高さに広がっている。

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「Shun*Shokuラウンジ」

２つのスペースは両方とも、3面のガラスの壁と背後の頑丈な壁によって囲まれており、大阪の鉄道のメインステーションにある商業施設の向こう側へ通じる通路によって隔てられている。

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同じようなレイヤーの効果が、隈氏の手掛けたダンディーのV＆A美術館のデザインにも用いられている。この美術館は、昨年8月に建築の許可が下りた。

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スカンジナビアの企業であるC. F. Møllerは、ストックホルムに世界最高の木造骨組みの建物の提案を発表しました。

住宅設計コンペに提案をした３名の選抜候補者の１人として、３４階建ての木造高層ビルが建築家C. F. Møller、建築家Dinell Johansson、コンサルタントのTyrénsにより将来の住宅ビジョンとして発表されました。通常の鉄とコンクリートの建設より安価で簡単に、持続可能になるということです。

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「これまでにこのような建築を行わなかった主な理由は、コンクリートと鉄は市場の大部分であるからです。」とC. F. MøllerアーキテクトのOla JonssonはDezeenに述べました。「しかし今、建設業は環境に対して責任を持ち始めています」

さらにこのように続けました。「建築は世界中で約３０～４０％のＣＯ２発生率を占めています。もしＣＯ２の発生が木材の生産である場合、鉄やコンクリートよりずっと良いことになります」

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Jonssonに関しては、木材を使用することは代替品より安価になり得るということです。より軽い物質であるため輸送のコストがはるかに安くなります。また鉄やコンクリートより耐火性に優れています。

「スウェーデンでの木造建築には長い歴史があります。」と彼は説明しています。「私たちはどのように木材を扱っているかについて、より高い知識があり、また接着や釘で打ちつけた木材は非常に強度な構成の品質であることがわかっています」

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仮に建築されると、３４階建ての建物はロンドンにある９階建ての Murray Grove tower、計画中の建築家Michael Greenによるバンクーバーの２０階建てのタワーの高さを超えることになります。「他の建物のスケッチは見てきましたが、確かに私たちが一番高い建物になります」とJonssonは述べています。

木製の柱、梁、壁、天井、窓枠はこの建物のガラスの外観を通して総てみることができます。また発表したデザインにはコンクリート・コアが含まれていますが、Jonssonはこれを木材に置き換えることもできると述べています。「現代の建物は最良の目的のためにあらゆる素材を使うべきです。」ということです。

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基準階平面図―クリックでイメージ拡大

スウェーデンの住宅金融組合HSB Stockholmが企画したこのコンペの受賞は、２０２３年に公開される予定です。ちょうどこの組織の１００周年記念にあたります。the HSB Stockholm Facebook pageで誰でも投票ができます。

C. F. Møllerによる最近ノルウェーで完成した美術工芸館と緑の繊維セメントでできた階段の起業家センターがあります。

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構想部分―クリックしてイメージ拡大

DezeenのC. F. Møllerによる建築の記事はこちらをご覧ください

Dezeenの超高層ビルの記事はこちらをご覧ください

C. F. Møllerからの詳細な情報は以下の通りです：

木造の超高層ビル

HSB Stockholmの建築コンペのために、建築士の３つのチームがストックホルム中心部において３つの異なる場所で将来の個人住宅への革新的な提案を作り出しました。Berg | C.F. Møllerが提案したデザインは木造の３４階建て超高層ビルです。

Berg | C.F. Møllerアーキテクツは建築士のDinell Johansson、コンサルタントのTyrénsと共同で今回参加しています。このチームは上に向けて建築することにして、数マイル遠くから見ることができる３４階建ての住宅用建物をデザインしました。

この建物はコンクリート・コアと共に木造建築を建てる予定です。そしてストックホルムの人たちに新しく、特徴のある目印のようなものであり、市の中にある人々が集まる場所を提供する意図があります。

基本に立ち返る

木材は自然の最も革新的な建築材の１つです：この制作物は廃棄物を出さず、ＣＯ２を取り込んでいます。木材はそれほど重くないですが、軽さと比較すると非常に強固で耐力がある作りになっています。

木材はまた鉄、コンクリートのどちらよりも耐火性に優れています。これは木材の１５％が水分であるためです。この水分は、木材が文字通り燃焼する前に蒸発します。さらに丸太は炭化して核となる部分を守ります。

木材は快適な屋内の気候、完全な音響を確保し、屋内の温度を管理する助けとなります。そして漆喰や他のお金のかかる材質で住宅を覆わずに、むき出しのままでよいのです。

Berg | C.F. Møllerの木造超高層ビルにおいて、柱と梁は頑丈な材木でできています。アパートの内部は、総ての壁、天井、窓枠が木造で外部から大きな窓を通して見ることができます。

持続可能性

社会的・環境的な持続可能性がこのプロジェクトに統合されています。それぞれの住宅には省エネルギーで、ガラスで覆われたベランダがあります。一方、建物そのものは天井にある太陽光パネルを動力源としています。街頭にはカフェ、保育施設があります。新しいコミュニティセンターでは、地元の人たちが市場、フィットネスセンター、自転車駐輪場の恩恵を楽しむことができます。共用の温室で住んでいる人が庭を分け与えてもらう機会があります。

提示したデザイン３点すべてはHSB Stockholmのフェイスブックのページで入手できます。このサイトでは好きなデザインに投票することができ、将来のストックホルムの個人住宅をどのようになるのかを決める役割を行うことになります。

建築コンペについて

HSB Stockholmは、スウェーデン最大の住宅金融組合で、２０２３年には１００年になります。その時に超現代的な居住の高層ビルがストックホルムで完成します。建築士の３つのチームが現在、ストックホルムの３つの異なる場所に壮大な住宅を構えるという提案のコンペに準備をしているところです。

Berg | C.F. Møllerアーキテクツは建築士のDinell Johansson、都市計画コンサルタントのTyrénsと共に働いています。競合している他のチームはEquator Stockholm、Mojang（マインクラフト ）のチーム、ユートピアアーキテクツとローゼンバーグアーキテクツのチームです。

ケルン2014：ロッテルダムのデザイナー Arnout Meijerが手掛けたLEDランプシリーズは、色温度を調節して1日を通してさまざまな雰囲気を作り出すことができます

Meijerは19日まで開催されていたimmケルン国際家具見本市の展示会の[D3]デザインタレントエキシビションに参加し、この作品を展示していました。

Meijerは、仕事や集中に必要な白く明るい光や、就寝前のリラックスタイムを演出する暖かくやわらかな色調など、さまざまな役目を果たす光の必要性を踏まえて「Thanks for the Sun（＝太陽に感謝）」シリーズをデザインしました。

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「ランプのデザインを考える場合、ランプシェードや構造、土台など、明かり以外のすべてをデザインしますが、最終的には電球を差し込むだけなんです。私はそれをひっくり返して、明かりに主役になってもらいたいと思いました。それで、デザインと形が明かりそのものというランプシリーズを作ろうと思いました」とMeijerはDezeenに語ります。

アクリルランプはそれぞれ内側と外側のLEDと連携していて、つまみやスイッチを使ってライトの色を明るく白い色から暖色の赤や黄色に調節することができます。

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LEDの光が表面を伝って広がり、透明なアクリルに刻み込まれたラインを映し出します。

波のようなラインの模様が特徴的で、内側から外側へと光が広がる際に滑らかな形へと変化して行きます。

「暖色と寒色の切り替えをしようと決めた時、明かりの特色が変わるならランプ自体の特色も変えることが重要だと考えました」とMeijerは言います。

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「19世紀末の電球の絵を見ると、赤々と燃えている様子を真似た波のような柄がいつも入っているんです。一方で、冷たい感じの白い明かりは、より現代的で真っ直ぐです。ちょうど蛍光灯のようにね」ともデザイナーは語っています。

シリーズには細いテーブルランプや丸いテーブルランプ、大きなウォールランプなどがあります。

Meijerはもともとデザイン・アカデミー・アイントホーフェンに在籍中にランプのデザインをしていましたが、現在はそれをもっと大きなスケールの実験の基盤としています。最終的には限定版の光の彫刻シリーズになるだろうと彼は語っています。

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写真撮影：Femke Rijerman

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エース・ホテルチェーンは、ロスアンゼルス郊外にある１９２０年代のビルの中に、座席１６００の劇場と共に最新の支店をオープンしました。

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エース・ホテルの屋内デザインチームは現地の企業であるコミューン・デザインと共同で、かつてはロサンゼルスのブロードウェイ劇場地区にあるUnited Artistsのフィルムスタジオとして使われた建物の修復と改修に取り掛かりました。

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「この劇場の元からのデザインはスパニッシュ・ゴシックスタイルをよく感じさせるものとなっていました。建物の外観は必要最低限の現場打ちコンクリート構造に隠れています。」とアトリエ・エースは述べました。「その場所にエース・ホテルの最新の店舗があるというコンセプトが基本となりました。１９２０年代の魅力と現代のミニマリズムとの結婚です」

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この建物のゴシックな外観と対比して、客室はシンプルで、元からある現場打ちコンクリートの天井を保っています。

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コミューン・デザインは装飾をデザインするとき、２０世紀の建築家、ルドルフ・シンドラーのウエスト・ハリウッドの住宅を参考にしました。

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室内の家具はダークグレイに染めた中質繊維版でできている一方、色の跳ね返りは内装と芸術品により与えられています。洗面所は真鍮の固定具で装着し、寝室やリビングとは鉄とガラスでできた窓を使い分けています。

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タワーの中の公共スペースには喫茶店、レストラン、中二階にあるラウンジがあります。元からあるコンクリートの表面を表すために、壁紙をはがしています。

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スパニッシュ・ゴシックスタイルの劇場は入り組んだ壁や天井の型を修復し、７２平方メートルの広さがあるイベントスペースを作りました。様々な特別室や個室サイズの映写室も、ミーティングやパーティとして使うことができます。

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昨年、エース・ホテルはユニバーサルデザインスタジオによりショーディッチに会場を追加し、店舗のリストが１つ追加しました。

エース・ホテルはそれぞれ近郊にあり、特徴を反映するようにデザインしています。創設者のアレックス・カルダーウッドによるコンセプトは古い建物を適度な予算で産業回収を利用することです。惜しくもカルダーウッドは昨年１１月に他界し、このホテルは彼の死後初めて作られました。

写真撮影：Spencer Lowell

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Maison&Object 2014：イタイアのデザイナー、Alessandro Zambelliによるランプのコレクションの、3Dプリントによって作られた網目状のシェードから、光が広がっている。

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Afilliaのコレクションのそれぞれのランプは、イタリアの３Ｄプリント制作会社、.exnovoによるナイロン製のシェードを特徴としている。 Alessandro Zambelliは、自然の中で形作られた幾何学模様を基に、小さな穴が規則正しく開けられた3組のシェードをデザインした。

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「このシェードは、内部に光を取込み、球形の中に凝縮されたオーラのような光を放つために、必要不可欠な幾何学模様の網の形状を表している。」と、デザイナーは語った。この照明には球形と、2種類の幅の狭いカボチャのような形があり、そのうちのひとつは、もう一つに比べて先端がフラットになっている。

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ハイマツがテーブルランプのベース部分やペンダントライトの電球ソケットに使用されている。それらはすべて、電源に繋ぐ為の緑色のコードを持っている。このデザインは、昨日終了した今年のパリ郊外の見本市、Maison&Objetで展示された。

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ベルリンの団体The T-Shirt Issueはジャージ素材の布を薄く切り、４つの切子面のある服を作りました。スエットシャツが地面に溶けていく段階を捕らえています。

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The T-Shirt IssueのHande Akcayli,、Murat Kocyigit、Rozi Rexhepiは日常の洋服を分解し、新しい形にします。

「私たちのアプローチはＴシャツのような非常に日常的なものを最も小さく意味を持つものまで崩し、元々の形とは離れた新しいものを作ることです。」と述べています。

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最新のプロジェクトであるMeltでは長袖のスエットシャツを４つの段階にまで崩し、ジャージ素材のかたまりにしました。

始めは簡単に識別できる切子面のある形で、その後の布はそれぞれ、まるで溶けている様にしわくちゃで折り目があります。

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袖は上の部分と合体し、裾は水平になるまで外に向かっています。

「溶けることで私たちは実生活の自我を形作り、壊しています」とデザイナーは述べています。「多角形それぞれが異なる人格からなり、個人的な経験を通じて成長する過程を象徴しています。それぞれの段階で、自我はだんだん社会的構成と自己中心を手放していきます。残っているのは可能性のるつぼです」

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このデザインを創るため、スエットシャツの高解析度の３Ｄスキャンが分解され３６０の多角形となり、形が重なったところが強調されるように折り目をつけました。

３Ｄ動画のツールが３つ以上の形を作り変形させるために使われ、多角形の量はそれぞれ減るようになりました。

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データでの画像がスエットシャツの「溶けている」状態を４段階にして表しています。

ジャージ素材はそれからカード上にレーザーで切断し、縫い合わせます。中に厚紙を入れ、服の形を固定するように強化します。

MeltはNew York Fashion Weekの期間中、Gallery R'Pureにおいて２月６日の午後７時から展示されます。

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画像データでは４段階でスエットシャツが「溶けて」いるのを見ることができます。

Dezeenでは２００８年にThe T-Shirt Issueが作った人間の体をスキャンして型紙を作るというデザインを特集しました。このプロジェクトはDezeen Book of Ideasにも含まれています。

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画像データではスエットシャツが４つのステージで「溶けて」いるのを見ることができます。

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オランダ人デザイナーのマルセル・ワンダースはパーティ用の風船を使った超軽量の炭素繊維（カーボンファイバー）のイスを製作しました。

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カーボン・バルーン・チェアは、アムステルダム市立美術館で先週開幕したマルセル・ワンダースの回顧展の初日、欧州デビューを果たしました。

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たった800グラムのこのイスは、圧縮空気の入ったパーティ用の風船を使った手作り作品。風船は炭素繊維に包まれ、エポキシ樹脂で強化されています。

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イスの座面となっている網部分は格子状の炭素繊維で出来ていて、こちらもエポキシ樹脂の強化加工が施されています。

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「（カーボン・バルーン・チェアは） “世界最軽量のイスの製作をしよう”というすべてのデザイナーに対する挑戦としてマルセルが思いついたものです。カーボンを使った製法は超軽量化の可能性がありマルセルのお気に入りです。このイスは材料が少なく済み、ゴミも少なく、非常に耐久性に優れています。」とデザイン事務所は語っています。

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ワンダースの名を一躍世に広めたノッテッド・チェアを彷彿とさせるこのイスのデザインを見ても、風船であることは明らかです。ワンダースはノッテッド・チェアのフレームのマクラメ編み部分にもエポキシ樹脂を使っています。

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ノッテッド・チェアも樹脂を使った軽量デザインで、この作品でワンダースは1996年に世界的に広く知られるようになりました。

市立美術館で開催中のマルセル・ワンダース：ピンナップ（Marcel Wanders:Pinned Up）では、1980年代後半から今日までのワンダースの作品のコレクションを紹介しています。美術館の下の階にできた新たなギャラリースペースには、家具、照明器具、カトラリー、壁紙、パッケージや宝飾品を含む400点以上の作品が展示されています。展示会は2014年6月15日まで開催予定。